lunes, 12 de julio de 2010

The Karate Kid (2010)

The Karate Kid, como se llamó en EE.UU. o The Kung Fu Kid como se llamó en China, es el remake de la película de la que todos por lo menos hemos escuchado hablar de o que hemos visto que la pasen alguna vez en la tele: The Karate Kid (Avildsen, 1984). Al parecer va dirigida a ambas culturas occidentales y orientales (generalizando) ya que tiene un poco de cada lado, refiriéndose más que nada a Estados Unidos, China, y un poco de Japón ya que allá también le pusieron su nombre a la película: The Best Kid (traducido).

La historia no la pensaron mucho ya que esta muy paralela a la vieja, solamente renovaron algunas cosas y cambiaron otras pocas. En lugar de a California, Dre, nuestro nuevo Karate Kid junto con su madre, se mudan a Beijing, China, por el trabajo de esta (la mamá). Algo diferente en la nueva versión es que ahora no es Karate sino Kung Fu. No contaré más cosas de la historia ya que si han visto la versión vieja les va a parecer lo mismo.

La película en general está muy entretenida, tiene un humor muy bueno que sí causará algunas risas y escenas de acción suficientes para dejar satisfecho a alguien. Los papeles principales son interpretados por Jaden Smith como Dre Parker, el nuevo Miyagi, Sr. Han por Jackie Chan y la mamá de Dre por Taraji P. Henson, quién también tuvo el papel de la madre de Benjamin Button.

Así que en resumen, aunque tal vez no sea tan buena como la original, es un muy buen remake, tiene un buen reparto de actores y entretendrá a su público todo lo que dure la película. Definitivamente vale la pena verla.

viernes, 2 de julio de 2010

The Twilight Saga: Eclipse

Tercera en la saga de Twilight. Dirigida por David Slade, director que tiene más experiencia en videos de música que en el área del cine. No hay mucho que decir; aún siendo la mejor película de las tres que van toda vía le falta mucho para ser buena. No me gustó.

Alan Wake (2010)


En cuanto a gustos de television, me inclino muchisimo por las series de misterio y suspenso, ya sea Lost, Twin Peaks, etc. Asi que cuando vi los trailers del juego para Xbox 360, Alan Wake (2010), no pude evitar sentir una gran interes y curiosidad. Empece a ver los trailers y gameplays, investigue lo que podia hasta ese momento y llegue a una conclusion, tenia que jugar ese juego, lamentablemente no fue si no hasta mucho despues de que saliera, que Moisés me lo prestaria, ya habiendolo jugado el y habiendome dado su recomendacion.

El juego cuenta la historia de Alan Wake, un escritor famoso de la talla de Stephen King y James Elroy, que teniendo un bloqueo creativo va de vacaciones al pueblo Bright Falls con su esposa Alice. Al llegar al pueblo empiezan a conocer personajes interesantes, algunos medio comunes y otros excentricos. Cabe aclarar que el pueblo es una gran referencia a la serie Twin Peaks, en especial un personaje que carga una lampara entre sus brazos. Las cosas se empiezan a complicar cuando aparece un personaje oscuro, y guia a los Wake hacia una cabaña en medio de un lago que solia tener un volcan activo debajo. Justo al llegar la noche cosas inexplicables empiezan a suceder ante ti, mientras tu solo estas interesado en el que pasara, y el juego avanza sin saber si lo sigues, todo para tener una de las mejores experiencias que he tenido en videojuegos, peliculas y etc.

La historia es el gran fuerte del juego, y de ahi le sigue el formato en que te la entregan, que es en episodios como en un programa de tv, contando con 6 episodios y unas 6-7 horas de juego, y aun que suene poco el tiempo para un videojuego, todo esta acomodado a la perfeccion, no le pondria ni quitaria nada mas (a ver si con el nuevo capitulo que saldra este mes cambio de idea). Remedy Games, creadores de Max Payne (2001), tardaron 5 años haciendo este juego, y hace 10 años que lo estaban planeando. No podria haberles quedado mejor.

Con una historia original y estupidamente sorprendente, personajes por los que si vale mucho la pena preocuparse, escenarios con unos efectos magicos, un soundtrack bien escogido, y un gameplay original y bastante comodo, Alan Wake es uno de los grandes juegos de nuestra generacion, es un juego que se atrevio a algo interesante y nuevo. Me alegra saber que estamos en una era donde juegos con una vision nueva no son detenidos (no fue el caso con psychonauts en su tiempo), ademas de que la experiencia de Alan Wake no se limita solo al juego, si no que hay una serie de Webisodes que sirven de precuela, ademas de un libro en formato documental del escritor Clay Stewart siguiendo los pasos de Alan Wake en su misterio por Bright Falls, y un DLC por venir.

Gracias Remedy, por haberme tocado el alma.

jueves, 1 de julio de 2010

A Christmas Carol

Como es costumbre en las épocas navideñas siempre llega esa ola de películas comerciales de todos lados dirigidas principalmente al público familiar, y que la mayoría no son tan buenas. Debo decir que ese no fue el caso de Christmas Carol (Zemeckis 2009), o Los fantasmas de Scrooge como se llamó en Latinoamérica. Personalmente la mayoría de las películas de navidad no me gustan; tal vez por eso no fui a verla cuando estuvo en las carteleras de cine, pero me dio por rentarla, y quedé más que satisfecho.

El director, Robert Zemechis es el responsable de Beowulf (2007), y El expreso Polar (2004), así que asumimos que ya tenía experiencia en películas animadas, y más que animadas, con actores digitalizados. PD: si necesitan más referencias del director, más películas dirigidas por él son: Náufrago (2000), Forrest Gump (1994) y la trilogría de "Regreso al futuro" (1985-1990).

A Christmas Carol nos trae de nuevo la historia de Charles Dickens que ya nos había traído Disney en Una navidad con Mickey (1983) (de nuevo los la entrega Disney), solo que de una manera más seria de algún modo. La animación es MUY buena y contrario a los diseños que nos trae Pixar, los dibujos son más realistas (sin quitarle crédito a la animación de Pixar). Ésta película se dirige a un público más general por la manera en la que está narrada (para más detalles ver la película).

La historia en sí es la que todos conocemos, y el mensaje sigue siendo el mismo; aún así yo creo que A Christmas Carol de Zemeckis es LA mejor adaptación de la novela de Dickens a película con efectos impresionantes que te van a dejar con un buen sabor de boca. Definitivamente vale la pena verla.

viernes, 25 de junio de 2010

The Legend of Zelda: Spirit Tracks

Llega la catorceava entrega de la serie de videojuegos de Legend of Zelda por segunda vez en la doble pantalla: El Nintendo DS. Debo decir que al principio en el primer Zelda para DS, estaba un poco escéptico en cuanto a como se iba a controlar al personaje; todo se realiza con el 'stylus', pero ya que lo usas te das cuenta de que todo es muy ameno, es fácil controlarlo y los errores que podrían haber están minimizados, cabe mencionar que el modo de juego es el mismo en los 2 Zeldas.

Nos encontramos con un nuevo Link, esta vez es un Ingeniero de trenes. Cuando se va a graduar como Ingeniero en el castillo donde se encuentra Zelda, pasa que un pequeño demonio que estaba disfrazado como ministro, Makivelo, le roba el cuerpo a nuestra princesa con ayuda de un cómplice cuya identidad es desconocida. Todo esto para tener un cuerpo receptor para revivir al rey demonio que se encuentra encerrado y atado por cadenas, cadenas que son representadas en forma de vías de tren a través de el nuevo Hyrule. Link junto con Zelda en una forma astral deberán viajar por las 'Spirit Tracks' en un tren que les concede Anjean, un personaje importante en la historia que los ayudara en su aventura, y evitar que el rey demonio sea resucitado a la vez que recuperan el cuerpo de Zelda.

La historia en sí es muy buena y viene acompañada de varios giros muy interesantes. La idea de que las vías del tren sean las cadenas que atan al demonio es muy original y me gustó mucho eso. Mientras juegas te encuentras con varios 'items' que podrás usar de una manera muy creativa con el stylus y el instrumento, llamado la flauta terrenal a la cuál simularás tocarla de verdad te mantendrán muy entretenido. También usarás a Zelda en algunas partes del juego cuando ella tome posesión de ciertas armaduras y habrá varios tipos de estas con habilidades diferentes que hará que la manera de usarla te entretenga bastante.

Entre tantas cosas buenas también cuenta con un aspecto que podría no ser de agrado para muchas personas y es la manera de viajar en el tren. Igual que en el juego pasado, Phantom Hourglass, lo que harás será trazar una ruta y seguirla; la única diferencia es que en este Zelda hay menos libertad de moverse ya que te mueves por vías y no por los mares. Cuenta con algunos 'warps', pero están muy limitados y no son muchos. Al viajar a algún lugar que no se encuentre cerca se puede volver muy tedioso y sí se olvida algo el tiempo que tardarás será más del doble.

Lo que tenga malo se ve opacado por lo bueno, definitivamente es un juego que se debe jugar si te gusta la serie de The Legend of Zelda y lo recomiendo mucho.

sábado, 19 de junio de 2010

Toy Story 3


Si en Up (Docter, 2009) se tocó el tema de la separación y las promesas inconclusas, en Wall-E (Stanton, 2008) el mensaje anti consumismo/pro-ecologista, Toy Story 3 habla sobre las cosas que dejamos atrás. Disfrazada de un drama carcelario al más puro estilo de The Shawshank Redemption (Darabont, 1994) puede tomarse como un homenaje a la nostalgia y el aferrarse a algo a tal punto de lastimar a los demás por anteponer los intereses propios. Y esto es un sentimiento universal; los papás que no aceptan que algún día van a quedarse solos, el adolescente que está pasando a otra etapa de su vida y el niño que tercamente se aferra a algo, oponiéndose al cambio. Este sentimiento, como otros, es tocado con una sutileza digna de admirarse (y más en una película de niños), no se siente que te tiren un mensaje a la cara (un saludo a Dreamworks), pero sabes que hay algo ahí. Hasta creí encontrar una alegoría de la necesidad del ser humano de entender su mortalidad para poder disfrutar de lo que tiene, todo esto con una metáfora del cielo y el infierno, pero no quiero seguir porque sería revelar giros importantes en la trama.

Hay algo que deberíamos de tomar en cuenta. En esta tercera entrega, Pixar tenía una mano ganadora aún antes de siquiera empezar el juego. Los protagonistas son personajes que la mayoría conocemos y a los que les tenemos cariño, tiene ese golpe nostálgico que pocas películas pueden presumir. Pixar nos tenía a todos donde quería. Por esto, es una película ¿cómo decirlo?, en inglés se usa el término audience pleaser, algo así como una película hecha totalmente para las audiencias. Se permitieron usar más gags de los que acostumbran (ahorita no recuerdo un gag de verdad en Up o en Wall-E) y jugaron con los personajes al punto de movernos como pocas películas. Mi punto es que es una película para verse en el cine, de preferencia en 3D y con una audiencia en realidad interesada. Es una gran experiencia que no tendrá el mismo efecto en una pantalla casera. Hay un momento de la película, sin spoilear nada, en el que hasta se siente que todo el público estuviera de las manos rogando por el destino de los juguetes.

La animación, como siempre, es excelente. Lo único que se nota es que ya no sorprende. Pero no es por falta de ganas o de flojera en el lado técnico, lo que pasa es que, al ser una secuela, no se presenta un universo nuevo. En Finding Nemo (Stanton, 2003), las partículas de polvo en el mar y el manejo de la luz fueron bastante aplaudidos en su tiempo. Monsters Inc. (Docter, 2001) presumía que los monos tenían no sé cuántos millones de pelos que fueron animados de uno por uno y Wall-E presentó un realismo increíble, además de meter a Pixar a un ambiente de ciencia ficción. Toy Story 3 no puede decir especialmente que tiene algo que la distinga, pero para nada es mediocre. Se nota que a los demás estudios de animación les faltan años para llegar al nivel de una película de Pixar.

Toy Story 3 es, sin derecho a réplica, la película del verano y posiblemente del año. También es la mejor película de Pixar y una de las mejores cintas animadas que existen. Será vista por generaciones y todo esto porque el mensaje es tan universal y duradero como los mismos sentimientos que maneja. La gente no cambia, es por esto que un niño sigue viendo la primera con la misma emoción que los que la vimos en una pantalla de cine hace años. Con su conclusión lógica (¿de qué otra manera pudo haber terminado?), Toy Story 3 cierra como un círculo perfecto la trilogía iniciada en 1995. No hay nada que cambiaría o que me haya molestado, es una película perfecta que supera a las dos anteriores en todos los aspectos y que se atreve a meterse a terrenos poco explorados por otras películas animadas.

Como nota final, hay que agradecer a Pixar por el detallazo de poner un reel que se extiende varios minutos en los créditos de la película. Hombres de todo el mundo, con lágrimas en los ojos, tuvimos el tiempo suficiente para limpiarnos y hacer como que nada pasó. Porque, quieras o no, vas a llorar. Y una vez que te tienen donde quieren (y esto pasa cuando todavía falta como media hora para que termine), no te van a soltar por un buen rato.

martes, 15 de junio de 2010

Ayreon


Indudablemente mi genero preferido de música es la opera rock. A través de los años me he encontrado con diferentes proyectos del genero, con diferentes conceptos cada uno de ellos. Estos conceptos van desde el medieval (Avantasia, Anya), los video juegos (Protomen), el terror (Manhattan), lo urbano y juvenil (American Idiot de Green Day), la comedia (Ziltoid: The Omniscent), etc. Sin embargo no me había topado con algo tan peculiar y cautivador como lo es Ayreon.

Ayreon es un proyecto formado por Arjen A. Lucassen. Básicamente son una serie de discos, con músicos y cantantes diferentes en cada disco, con historias separadas, pero que al final de cuentas se conectan de una manera u otra entre si. Lo que vi interesante de todo el asunto fue que la historias de los discos giran alrededor de un ambiente puramente de ciencia ficción. Lucassen creo un concepto donde los viajes interestelares, los extraterrestres, viajes en el tiempo y visiones futuras de la humanidad prevalecen. Aunque la calidad de las historias de cada uno de los discos varía y no siempre es muy buena, el concepto que gira alrededor de ellas es verdaderamente cautivante y atrapante.

En cuanto al ámbito musical, los discos están catalogados como metal progresivo y me atrevo a diferir en la opinión de quienes escriben en Wikipedia, o quienes asignan los géneros en Itunes. Arjen si es un compositor de metal, y la mayoría de los invitados vocalistas son personalidades del metal, pero los sonidos dentro de los discos son altamente variados y pertenecientes a muchos géneros. Arjen compone con una gran cantidad de instrumentos folclóricos (violin, cello, flautas y mandilones) y agrega una gran cantidad de sintetizadores. Esos dos elementos se combinan con los típicos instrumentos del rock y dan una nota bastante interesante y a-genérica.

"Into The Electric Casttle" es, a mi opinión, uno de los discos con más calidad del proyecto. Los sonidos en el, como lo describí arriba, varían mucho. Se encuentran riff's fuertes y graves ("Cosmic Fusion"), pero también hay secciones de piano bastante armónicas ("Amazing Flight"). En cuanto a los vocalistas invitados, grupo en el que se encuentran tales como: Sharon den Adel y Robert Westerholt de Within Temptaion, Damian Wilson de Treshold y Jay van Feggelen de Bodine. Hacen un excelente trabajo y de verdad quedan en sus personajes a la perfección. La misma estructura del disco hace que las voces y diálogos tomen la importancia que tengan que tomar para que la historia se entienda.
La historia cuenta como un ser alienigena abduce a siete héroes de diferentes eras de la humanidad (un romano, un highlander, un caballero medieval, un hippie, una egipcia, un barbaro y una indigena) y lo guia a través de un viaje interestelar para llegar a Electric Casttle del titulo. Ya una vez dentro tendrán una serie de decisiones que tomar si quieren regresar a su tiempo.

Lo sobresaltante de toda la historia es el punto de vista de los personajes. En ellos se refleja como se veia el universo en cada una de sus culturas. De esta manera, mientras que el guerrero de la edad media cree que ha llegado a Avalon, el bárbaro cree que el viaje es una prueba para llegar a Valhalla y el hippie simplemente cree que está teniendo el mejor viaje ácido de su vida. Los puntos de vista se cruzan mientras que los personajes interactúan entre si.
Si disfrutas de un buen disco conceptual, una buena variedad musical, y repartos de vocalistas y músicos estelares (¿se entiende?¿estelares?) Ayreon es definitivamente para ti.

lunes, 14 de junio de 2010

Empieza la E3

Hoy empieza la E3 (Electronic Entertainment Expo) en Los Angeles Convention Center, en Los Angeles, por supuesto. Fueron tres pequeñas conferencias de parte de tres compañías como introducción a la 'Expo', empezando con Microsoft, seguido por EA y finalmente UbiSoft, todas estas siendo solo un poco de lo que verás durante toda la E3.

Debo decir que Microsoft de verdad llamó mucho mi interés con sus presentaciones de la nueva versión de la consola de XBOX 360 versión 'slim', y su nuevo software de Kinekt (el nombre oficial para lo que era 'Project Natal'). Básicamente la nueva versión slim es un XBOX 360 completo y bien hecho (esperemos), es más pequeño, con capacidad de 250GB de disco duro, wi-fi integrado y un abanico que no hace ruido. En cuanto a Kinekt, se mostró muy funcional y entretenido.

EA es un caso especial para mi, la mitad de los juegos de esta compañía me encantan, y la otra mitad no tengo interés ni en voltear a verlos, siendo estos la rama de EA Sports. Pero del otro lado tiene unos juegos excelentes como DeadSpace 2, que fue anunciado la conferencia, al igual que un nuevo Call of Duty en el que colaboró DICE (los creadores de Battlefield: Bad Company, que también tiene su reseña en este blog acá).

Lo que puse no es todo lo que se expuso y los invito a que sigan lo que queda de la E3 si les interesa, pueden encontrar un link para verlo en vivo por streaming en IGN.

miércoles, 9 de junio de 2010

I Love you Phillip Morris


El 18 de enero del año pasado, I Love you Phillip Morris abrió el festival de Sundance recibiendo reacciones mixtas. La cantidad de críticas favorables eran proporcionales a las contrarias. Lo mismo cuando se estrenó unos meses después en el festival de Cannes y en el European Film Market. Los defensores la llamaron una de las mejores comedias de los últimos años; del otro lado, se le calificó 'moralmente incorrecta' y 'una oportunidad perdida'.

I Love you Phillip Morris es una comedia romántica gay. No es una sátira ni una crítica, es un auténtico romance gay. Lo que más llama la atención es que tiene a Jim Carrey en el protagónico y a Ewan McGregor de secundario. Y todavía es más raro que la película ya tiene más de un año y sigue sin ser conocida comercialmente, nada más se mueve en el mismo círculo de festival en festival.

Basada en el libro
‘I Love You Phillip Morris: A True Story of Life, Love, and Prison Breaks’, crónica de la historia real de Steven Russell, un hombre que a raíz de un detonador en la forma de un accidente automovilístico tiene una epifanía que lo lleva a dejar de vivir la mentira que se construyó con una esposa e hijos, para dejar salir al homosexual que tiene años escondido. Al mismo tiempo que entiende a las malas que ser gay no es nada barato, se encuentra con Philip Morris, un hombre que tiene todo lo que él busca, llevándolo esto a estafar, mentir y robar para poder estar con él.

Este tipo de películas son las que hacen que las productoras tarden en aceptar cualquier proyecto; es de esas a las que les llueven demandas legales y que el público ignora para irse por la opción más normal. Por ahora, la película está enlatada a espera de un nuevo aviso. El estreno estaba previsto para el 30 de abril, pero se fue alargando meses hasta que el estudio dejó una nota final con la inscripción 'estreno indefinido'. Es probable que ni siquiera llegue a los cines y tampoco está el lanzamiento de un dvd en los planes a futuro.

Es una película que andará de festival en festival y que probablemente, siguiendo el ejemplo de antecesoras ignoradas en su momento, como
The kiss of the Spider Woman (1985, Hector Babenco), tome el estátus de película de culto, resultado no solamente de su calidad cinematográfica, también de los temas controversiales que toca sin pudor ni delicadeza.

Algo que me gustaría remarcar, es que creo que es curioso que en una película totalmente desconocida se encuentra la mejor actuación en la carrera de Jim Carrey. Pareciera que buscó entre todos sus personajes para sacar lo mejor de cada etapa de su vida y crear algo nuevo. El personaje que vemos en la pantalla tiene mucho de Jim Carrey, pero es como si no lo conociéramos.

Haciendo a un lado todo el contexto social, es una película muy bonita. Una de esas comedias románticas que sí funcionan, con la proporcion perfecta de risas y lágrimas, sin que una opaque a la otra. Desde que inicia te hace sonreír y trata de mantenerte en un estado emocional agridulce en la hora y media de duración. No es una gran película, pero merece ser vista por lo menos una vez.

Ponyo on the cliff by the sea

Es increíble la creatividad y la capacidad que tiene Hayao Miyazaki de fabricar un mundo totalmente nuevo, en el que experimentas cosas que no te entrega casi ninguna película, no como las de este director. Para los que no lo conocen, es el director de la ganadora del Óscar El viaje de Chihiro (2001) a mejor película de animación y una de mis favoritas: El increíble castillo vagabundo (2004).

Es la décima entrega de este director y la novena que tiene como productora el estudio Studio Ghibli desde que empezaron con Nausicaa del Valle del Viento en 1984. Personalmente me encantan las películas de este director y Ponyo on the cliff by the sea (2008) o 'El secreto de la sirenita' como se llamó en América latina, para nada se queda atrás. Debo decir que cuenta con una animación excelente como es costumbre, hablando de Studio Ghibli.

Ponyo, una pequeña sirenita (al parecer, ya que en la película la mencionan como un pez), es encontrada y rescatada por Sosuke, un niño de cinco años, que después le da el nombre de 'Ponyo'. La sirenita se encariña con Sosuke, pero su padre, un malvado hechicero que vive en el fondo del océano, la obliga a regresar a los mares. Ponyo decide convertirse en humana y regresar a la superficie, pero reunirse con Sosuke no va a ser fácil, y al transformarse en humana desatara un poder en los mares que es peligroso para el mundo entero.

Uno siente que se despierta al niño que se encuentra dentro de sí cuando ve esta película, lo mismo que pasa en Mi vecino Totoro (1988) (del personaje Totoro de esta película sacó su logo el 'Studio Ghibli'), del mismo director y estudio. También recomendada.

Aunque la película está dirigida para el público infantil, cualquier persona la puede ver. La trama es muy buena, la animación y los dibujos es excelente y todo en general es muy bueno. Vale la pena la renta (hablando legalmente) o que conseguir la manera de verla (sin promover la piratería).

martes, 1 de junio de 2010

Prince of Persia: The sands of time

Primero que nada, pongo una imagen del juego simplemente porque soy un fan de "Prince of Persia" (los juegos) y también por un punto que desarrollaré más adelante. El Príncipe de Persia: Las arenas del tiempo, llamado así por la saga de juegos creada por Jordan Mechner, que cuenta con el mismo nombre, y más específico, por el primer juego (que también tiene el mismo título) de la saga, ya que es el que más tiene con similitudes a la película, aunque no está basada en este.

Dirigida por Mike Newell, director de El amor en tiempos de cólera (2007) y Harry Potter y el cáliz del fuego (2005), El Príncipe de Persia es una de las pocas películas que tienen la decencia de darle la fidelidad que se merecen a sus obras originales (hablando de videojuegos). Creo que sí se parece lo suficiente al juego como para satisfacer a los fans de este. Ahora, pongo la imagen que puse porque quisiera enfatizar los detalles que tienen la película en los que se parece al juego. Primero que nada, el personaje que caracteriza al Príncipe Dastan, Jake Gyllenhaal se parece mucho al príncipe de los juegos. También las formas y los diferentes tipos de armas son las mismas mostrados en la saga.

La trama trata de que el rey adopta a un niño de la calle, Dastan, nuestro personaje principal, después de ver su acto de valentía al ayudar a unos niños de la calle a escapar el abuso de unos guardias de la ciudad, convirtiéndolo así en el príncipe de Persia. En la batalla con la ciudad sagrada de Alamut, a la que atacan debido a la información de un espía, Dastan se hace de una daga extraña que puede retreoceder el tiempo durante un minuto. Cuando el rey muere por un envenenamiento, Dastán es culpado por el asesinato de este (el rey, para no confundir) y debe hacer todo lo posible para limpiar su nombre y además ayudar a Tamina, interpretada por Gemma Arterton, a detener a una malvada mente maestra de obtener un poder inimaginable que no debe caer en manos malignas y salvar el mundo.

Viendo todo el panorama, la película tiene una producción muy buena, ya que cuenta con unos efectos que te impresionan bastante, la trama te mantiene entretenido, aunque no me emocioné como pensé que me podría llegar a emocionar, sus principales son lo suficientemente buenos para interpretar sus papeles; pero como geek/fan de los videojuegos siento que le faltó ó que pudo haber estado mejor con algunos detalles que le hubieran agregado, siendo uno de estos el Dahaka (los que han jugado a la saga sabrán de que estoy hablando).

Veredicto: le doy 3 de 5 estrellas y la recomiendo para la audiencia en general, es una buena película.


domingo, 30 de mayo de 2010

The Road


En los primeros segundos de la película se nos muestra un cuadro que estará ausente por el resto de la misma. Vemos un mundo con arboles y flores, lleno de colores, sonidos y, sobretodo, de vida. La imagen se corta a una con tonos más grisáceos para presentarnos lo que veremos las siguientes dos horas. Un mundo muerto donde llueve ceniza y el mar dejó de ser azul años atrás, donde no existe una luz al final del camino y donde no hay razón para avanzar, excepto la de seguir vivos por un rato más para continuar caminando sin rumbo por la carretera.

La primera vez que me acerqué a The Road de Cormac McCarthy (el autor de No country for old men), leí cien páginas y lo abandoné a la mitad para dejarlo en el montón de libros que tienen la etiqueta de "después". Me pareció muy lento y algo aburrido, no me atrapó y no lo pude terminar. No recuerdo qué hizo que volviera a reiniciar la lectura, tal vez fue enterarme de que se preparaba una película y quería unirme al hype o alomejor muy en mi interior quería soltar el 'no, el libro es mucho mejor' que tanto le gusta al crítico de cine fantoche después de ver una adaptación. A lo que quiero llegar es a que esta segunda lectura provocó todo lo que en la primera no encontraba por ningún lugar. Me atrapó desde la primera página y no pude soltarlo. El viaje de un padre y su hijo por un mundo post apocaliptico, en una prosa casi poética, me golpeó como ningún otro libro lo ha hecho. A pesar de ser muy adictivo, tuve que dejar de leerlo a ratos por lo mismo. A ver si un día de estos retomo la lectura de Blood Meridian (del mismo autor) que inicié hace un año.

The Road (al igual que su contraparte escrita), es una película muy difícil. Lo que pasa es que ni siquiera intenta entretenerte. El director sabe que tú no estás ahí por eso y con esto logra captar la esencia de la novela. Al igual que en el libro, no hay un cómo, un cuándo o un por qué. Los personajes simplemente están ahí y el espectador debe de aceptarlo, lo demás se deja a la imaginación.

El único problema que le encontré a la película es que aquí, a diferencia de la novela, el mundo es un mero artificio para que los personajes existan, cuando debería de ser un personaje independiente. Pero es notable lo que el director intentó hacer, seguir la narrativa del libro, la travesía del padre y el hijo, en lugar de hacer un retazo del mundo después de un apocalipsis desconocido. Lo que sí no se le perdona es que a ratos parece que estuviéramos viendo Capital Wasteland con unos cuantos retoques, en lugar del infierno que McCarthy describe en la novela.

A pesar de eso, The Road es una gran película por donde se le busque. Todo encaja y fluye de una manera muy natural. La música va de la mano de una dirección más que efectiva y de actuaciones igual de buenas (que no existirían con un mal guión). No hay nada fuera de lugar o que salga sobrando, es lo suficientemente fiel como para considerarse una buena adaptación y lo suficientemente autónoma para ser una buena película.

En un momento de la película, el hijo, con la mirada clavada en el mar, le pregunta al padre 'what’s on the other side?' a lo que el padre responde 'maybe there's a father and his little boy and they're sitting on the beach too' y a nuestros ojos, los del espectador, podría ser cierto. Pero nada más nos toca ver (y sufrir) lo que los protagonistas ven. Lo demás no importa.

sábado, 29 de mayo de 2010

God's in his heaven, all's right with the world


Este puede llegar a ser el post más largo, profundo y personalmente simbólico que escriba en este blog. Verán, mi historia con el genero del anime es largo, complicada y, sinceramete, algo vergonzosa. Sin embargo, para poder escribir el review que haré es necesario hablar un poco sobre ella.

Cuando tenía alrededor de 13 o 14 años yo veía anime en obsenas cantidad. Pasa de serie en serie, tanto buenas como malas, sin detenerme un minuto a pensar en verdad que estaba haciendome ver a mi mismo. Mientras crecí me fui haciendo de una vista más critica y consciente del tipo de entretenimiento que consumía. Habrí mi vista a nuevos horizontes junto cuando alcancé el tope de no querer ver otra cosa que no fuera producido y dibujado por japoneses. En pocas palabras madure mi punto de vista hacia la cosas para poder tener una visión más objetiva de saber que es "bueno y malo". Ahí fue cuando me di cuenta que gran parte de esas animaciones y producciones eran en resultados absurdas, malas, descerebradas y completamente sin sentido. Pero aquella serie que empezó toda esa obsesión hacía ese genero de la animación fue algo que vi en, el difunto canal, Locomotion. Esa serie se llamaba Neon Genesis Evangelion.

A pesar de que en el presente veo con muy mal ojo la mayoría de las producciones del anime, esa serie permanece en mi corazón como algo que cambio mi vida. Basada en el concepto de un mundo que resurge después de un suceso apocalíptico, llamado el segundo impacto, la serie sigue a una serie de personajes cuya misión es prevenir y contrarrestar el ataque de unos seres llamados "ángeles" a Japon mediante un arma bio-tecnológica llamada Eva. Los Evas son robots gigantes con base biológica desarrollados por ciertas ramas de la ONU y los personajes principales de la serie son reclutados para manejarlos y prevenir otra nueva catástrofe para la humanidad.

Puede sonar sencillo dentro de lo complicado para entender, pero mientras más te adentras en el universo de Evangelion más complicado se vuelve todo. La serie está llena de simbolismos judio-cristianos, fuertes movimientos filosófico y metafóricos. Simbolismos los cuales son acarreados, principalmente, por los personajes de la serie y sus relaciones inter e itrapersonales.

Todo el simbolismo y la tendencia de la serie de no decirte las cosas directamente hacen que la considere un verdadero rompe cabezas y reto visual para la mente. La serie te empuja a fijarte en los detalles, tanto visuales como de dialogo, para que puedas tener una imagen más grande de todo lo que sucede con los personajes y en la historia. Toda esa tendencia llega al punto de que necesitas ponerle atención a los mismos títulos de los capítulos para poder entender totalmente ciertas partes de la historia y la relación que tiene los personajes entre si.

Su complejidad y el hecho de pertenecer a un genero donde esas joyas son extremadamente raras, hace que pierda un gran y enorme público potencial. Afortunadamente eso está cambiando con la realización de una tetralogía de películas actualmente en producción. En ellas se promete plantear los eventos de la serie de una manera completamente distinta y más sencilla para las nuevas audiencias. Ya se han realizado dos películas y otras dos están por llegar.

La primera, titulada "Rebuild of Evangelion 1.0: You Are ( Not) Alone" fue estrenada en japón en el 2007 y yo tuve la fortuna de verla el año pasado. En términos de producción todo es impecable. Las animaciones combniadas con CGI son absolutamente hermosas de ver. Los dibujos ahora son muchísimo más limpios y traídos al estilo del siglo 21. En cuanto a la historia, todo permanece muy igual a los primeros seis capítulos de la serie contando con uno que otro cambio. Lo importante se presenta al final, en donde nos dan a entender que lo que sigue es algo completamente nuevo e inesperado a comparación de la serie original. Para mi representó algo fresco de una franquicía con más de 10 años de antiguedad y muy placentero a la vista de los ojos de un fan de la serie.
Tres años han pasado desde el estreno de la primera película y ya tenemos con nosotros la segunda. Titulada "Rebuild of Evangelion 2.0: You Can (Not) Advance" fue lanzada en cines en japón en el 2009, pero estrenada en DVD hace exactamente 4 días. No puede decir, o expresar, con palabras de ninguno idioma conocido o a conocer lo maravillado que terminé cuando la película llego a los créditos finales.

Esta entrega inicia con la introducción de una nueva piloto, Mari Illustrious Makinami y la unidad provisional Eva 05, quienes se encuentran en Europa y están siendo atacados por un nuevo Angel. Rapidamente pasamos a Japón y vemos a Shiniji Ikari, el piloto del Eva 01, y su padre platicando mientras visitan la tumba de la madre de Shiji. Pocos segundos después otro angel ataca a Neo Tokyo 03 y es suprimido por el, poco cambiado, Eva 02 y su piloto Asuka Langley Shikinami. Shiji, Asuka y Rei, la primera piloto Eva, se conocen y el grupo que nos acopaña durante la mayor parte de la serie original es nuevamente reunido. En la película también alcanzamos a ver la introducción de Kaji, la pelea contra el octavo angel (la bomba que cae desde el espacio hasta Japón), la llegada del Eva 03 a la base en Japón, y la legendaria pelea contra el ahora décimo ángel.

La producción es aun mejor que la primea película. Con mayores y mas largas escenas de acción donde se explota toda la capacidad de los estudios para animar tales escenas. Los escenarios de la ciudad muestran una visión extramadamente tecnológica de un Japón futuro y los paisajes son bellos a más no poder. Los diseños de los ángeles cambian completamente a los de la historia original, pero no deja de ser tan bizarros y originales como puden llegar a serlos. La animación de los personajes humanos se me hizo algo extramadamente fluido y estilizado, aunque es difícil imaginarse moverse a alguien así en la vida real, es mejor visto que los movimientos acartonados y típicos de este genero de animación.

La trama es bastante diferente a la presentada originalmente, siendo los principales cambios ejecutados a partir de la pelea entre el Eva 01 y 03. Posterior a eso el mayor cambio significativo que ocurre es la secuencia de la pelea contra el décimo ángel. Aunque yo considero el capitulo correspondiente a ese evento de la serie original los mejores 22 minutos de animación jamas creada, en esta pelécula ocurre de manera completamente diferente. A pesar de eso, esa escena es igual de espectacular que la primera ves que la vi y representa algo proporcionalmente importante para la historia de esta nueva versión. Esa escena está en el final de la pelicula y por favor no se asusten cuando la vean y vean todo hasta el final de los créditos. Esa secuencia aclarara un poco más como termina esa escena.

Durante toda la experiencia cinematográfica las relaciones entre los pilotos y otros personajes se desarrolla más que en la primera película y son presentadas de manera completamente diferente. Ellos son explorados desde un punto de vista completamente diferente, más sublime y menos profunda que en la serie original, pero igual de intrigantes y emocionantes. En especial, un clásico que no ha dejado de ser clásico en esta nueva versión, la relación entre Shiniji y su padre es ejemplificada de manera más clara aqui. Al igual de claro y directo se ve el halo que rodea al personaje de Rei Ayanami y lo que ella representará para todo la historia en general. Asuka reemplaza su obsesión por la historia de su madre por duda existencíales acerca de su soledad y como su orgullo molesta a los otros.

Está película ya toma una tangente completamente diferente a la historia original, tomando todo de manera más sencilla y revelando grandes misterios de la primer serie más rápido. Pero lo más importante de todo es que el sentimiento de ver Evangelion aun está ahí. Aun se siente que estas viviendo una trama sacada de lo más profundo de la creatividad humana, aun sientes que los personajes tienen características que cualquier persona en este mundo puede tener y que son completamente humanos, aun se siente la desesperación de todo y te hace pensar que harias tu en la posición que tienen cualquiera de los personajes. Eso fue lo que más me conmovio de la película. A final de cuentas logra lo que muchos se proponen y pocos logran: Traer nuevos fans y complacer a los ya existentes.

Estoy consciente de eso ultimo ya que vi la película junto con mi hermano, quien considera la serie original algo fuera de su interés y fue cautivado al igual que yo por esta nueva versión.
Así cierro otro capitulo, con una lágrima en los ojos, de algo que me ha acompañado desde una edad tan temprana y entretenido de maneras inimaginárias. Así espero ansioso lo nuevo que Evangelion tiene que ofrecer. Gracias, Evangelion. Te amo.

jueves, 27 de mayo de 2010

Siege


Marvel Seige, lo último de los eventos que con tanta ansia esperamos los fans de los comics, dio su nota final dejando un sabor en boca bastante curioso. En el se siente que los tie-ins que acompañan la serie son más interesantes y entretenidos que lo principal de la historia. Se trata de un evento con siete años de preparación y donde, básicamente, se termina la racha tan oscura y tenebrosa del universo Marvel que inicio con Civil War. Está conformado por cuatro números principales y una serie de tie-ins, los cuales van desde Dark Avengers, y a Dark Wolverine hasta Thor.

Nos ubicamos directamente después de Dark Reign. La casa de los dioses nórdicos, Asgard, ahora flota sobre un pacifico pueblo de Oklahoma y el ahora director de defensa de los Estados Unidos, Norman Osborne, decide que los dioses no pertenecen a la tierra y deben de ser expulsados. Junto con la ayuda de Loki arman el escenario perfecto (una tragedia en masa a la medida de la ocurrida en Civil War) para obtener el apoyo del presidente y realizar un ataqué legítimo al reino de Asgard. El duende verde "reformado" arma un ejército de villanos igualmente "reformados", incluyendo sus Dark Avengers, e inicia la guerra entre humanos y dioses.

Entre los cuatro números principales del evento no hay mucha historia ni giros en la misma que apreciar. Los cuatro números son golpe tras golpe y garrotazo tras garrotazo hasta el final del evento. Lo fuerte de la historia del suceso se mantiene posicionado en los grandiosos tie-ins que tiene. En ellos vemos historias por separado de los principales protagonistas, especialmente el actual Wolverine y el imponente Sentry y Void. Sobre todos ellos me gustaría recomendar ampliamente el Dark Avengers 13, donde nos cuentan una versión más profunda y oscura de Sentry y su contra parte, The Void. Quien al final resulta ser un personaje bastante importante para el evento en general.

Así que solo nos queda abrazar la nueva era que llega después de todo estos golpes y sangre y esperemos que para los futuros eventos de Heroic Age (así se denomina la nueva etapa del universo Marvel que viene) ofrezcan más en sus historias principales.

lunes, 24 de mayo de 2010

Top 10 según Gustavo

Algo que quería hacer desde hace tiempo es mi lista de Top 10 de las películas que más me han gustado. Sin embargo no lo había hecho porque sabía que iba a estar muy difícil encontrar las que realmente son las mejores para mí, y aún más difícil enumerarlas del 1 al 10. Después de un tiempo de meditación salí con la siguiente lista; aunque no están en ningún orden en particular y sé que me faltaron muchas de mencionar. Todas estas son muy buenas opciones y recomiendo mucho verlas:

Kick-Ass (2010)

El más reciente trabajo de Matthew Vaughn. La última película que vi que de verdad me hizo sentir de todo. Tiene acción, comedia, romance, tragedia y más. Pocas veces me han dejado tan impresionado como lo hizo Kick-Ass. Véanla, punto.

Howl’s moving castle (2004)

Personalmente soy un fan de los trabajos de Hayao Miyazaki; es la que más me gusto de las que he visto (porque las viejas del 90, para abajo no las he visto). Incluso pienso más de ella que la ganadora del Oscar Spirited Away (2001), del mismo autor.

Låt den rätte komma in (2008)

“Déjame entrar” en español. Simple y sencillamente lo mejor visual de vampiros que he visto (También tiene libro). Película Sueca que habla del amor entre un niño con problemas de acoso en la escuela y una niña vampira. Durante el transcurso de esta fue impresión tras impresión. Lo que no me cabe en la cabeza es que después de todos los premios que ganó, es el poco tiempo que duró en las carteleras de Culiacán. Otra muy buena recomendación.

The good the bad and the ugly (1966)

¿Qué más se puede decir de este clásico? Uno de los mejores westerns en el cine. Con Clint Eastwood, una muy buena opción para ver. Si les gustó esta película, una que les recomiendo que no alcanzo a estar en la lista es The Good, The Bad and The Weird (2008), obviamente sabemos de dónde se inspiró, además de otras del mismo género.

Old Boy (2003)

Película Coreana dirigida por Chan-wook Park. Esta es la segunda de una trilogía llamada La Venganza, todas del mismo director. Está muy emocionante, con unas muy buenas escenas de acción y con una trama muy interesante que te deja satisfecho.

Pulp Fiction (1994)

Tal vez haya gente que me debata sobre si hay una mejor película de Tarantino, y lo más probable es que me digan que sea Inglorious Basterd (2009); aún así creo es mejor Pulp Fiction. Otra que se tiene que ver.

Shaun of the Dead (2004)

En el territorio de comedia no podía dejar de mencionar a Shaun of the Dead (El desesperar de los muertos en Hispanoamérica). Una de las mejores obras de Edgar Wright y mi favorita de todas. Ya estando aquí una serie que se ve porque se ve es Spaced (1999), también de Edgar Wright.

In Bruges (2008)

Esta es de una de esas películas que uno se encuentra por casualidad y te dejan con un buen sabor de boca por haberlas visto. Escrita y dirigida por Martin McDonagh, “En Brujas”, como se llamó aquí en México, sale de lo mismo en lo que uno cae en la mayoría de las películas y se presenta con una trama original y entretenida. Definitivamente una de mis películas favoritas.

Snatch (2000)

Los que la han visto saben por qué “Snatch” de Guy Ritchie está en mi Top 10. De nuevo, de nuevo agarré las películas de un director y elegí una para la lista. Obviamente es la que más me gustó. Con Brad Pitt como uno de los principales, Snatch toma lo típico de las historias de ‘mafia’ y lo vuelve un concepto totalmente diferente y más digerible para las personas. Un ‘Must see’.

Fargo (1996)

Ya que es una lista de Top 10 sobre cine, le tuve que dar su espacio a los hermanos Cohen. Dirigida por Joel e Ethan Coen, Fargo es una película que te asombra en la manera en la que todo se conecta y tiene una historia muy buena y entretenida. De todos los trabajos de los Cohen, ésta es una buena elección para empezar y darse una idea de cómo dirigen. También recomiendo Burn After Reading (2008).


Recalco que la lista no está en orden ya que empecé con una lluvia de ideas, después iba quitando y poniendo películas a como me acordaba o encontraba en mi repertorio en orden aleatorio. Creo que todas estas son muy buenas opciones para ver si no lo han hecho y tienen mi sello de aprobación (si cuenta para algo).

domingo, 16 de mayo de 2010

Robin Hood

Regresa a nuestras carteleras de cine el aquero famoso que tiene la puntería para clavar una flecha sobre otra, esta vez dirigida por el caballero Sir Ridley Scott. Aunque no he visto los últimos trabajos de él, siendo estos Body of lies y American Gangster, sí he visto algunas de sus obras maestras como lo son Alien, Blade Runner y Gladiator. Ridley Scott es conocido por su atención al detalle en sus películas, y las que he visto sí le hacen honor a la fama que tiene.

Parecería que se está poniendo de moda eso de hacer 'remakes' de películas que ya se habían hecho, solo que ahora puestas con más exactitud histórica. A la gente le gusta lo que tiene que ver con leyendas pero también es más realista o tiene mas pretexto para salir si tiene bases históricas; es cuando alguien dice: "pues no me gustó tanto", luego llega alguien al que le gustó y responde: "pues es que así pasó". Como fue el caso de The New World (Malick, 2005), en el que volvían a narrar la historia de Pocahontas pero con más realismo, aunque pareciera que iba a estar más aburrida; creo que es el mismo caso.

La historia esta vez, sería como el trasfondo de la de Robin Hood, lo que pasó para que se formara este personaje; Robin Longstride, interpretado por Russell Crowe, el mismo de Gladiator, después de una serie de acontecimientos debe hacerse pasar por un caballero que muere llevando la corona del rey (que también fue recientemente asesinado) de vuelta a Inglaterra. Mientras hace el papel de el caballero también tendrá que ayudar y motivar a la gente de Inglaterra a pelear la guerra que tiene contra Francia, a pesar de tener a los 'malos' de la película en su contra.

Moviéndonos a la opinión de la película, creo que está muy lenta, y no digo que esta sea mala, si no que le faltaron más cosas. Por ejemplo toda la función me la pasé esperando a que llegara a un climax en el que me emocionara o me comprara y este momento nunca llegó, o si llegó no fue suficiente para que yo quedara satisfecho. También tiene una historia de amor entre Robin Longsride y Marion Loxely, interpretada por Cate Blanchett y aunque estos dos son un paquete muy bueno de actores creo que le falta profundidad (al romance) para que realmente te familiarices con estos personaje y su relación.

En resumen creo que la película no es tan buena como sus protagonistas o su director. Si tienen oportunidad no dejen de verla ya que hay de gustos a gustos.



jueves, 13 de mayo de 2010

Kick-Ass



Es raro cuando una película se atreve a arriesgar. Como he mencionado muchas veces, ese fue el error de Iron Man 2 (Favreau, 2010), irse por lo convencional y mostrar lo que el estudio considera seguro para la audiencia. Hasta la saga de Spiderman se vio afectada por la inseguridad de los estudios a meter nuevas ideas, dándole a Sam Raimi su lista de ‘lo que queremos ver en la siguiente entrega’ para asegurar que el contenido entre en los cánones aceptados por el público meta. Esa misma inseguridad es lo que tanto preocupa a los fans cuando se anuncia la nueva transición de viñeta a cine.

Algo que caracteriza a Lions Gate Entertainment(conocida comercialmente como Lionsgate), sin ahondar en el contenido de sus cintas y dejando de lado la calidad de su producto final, es que es una compañía que arriesga. Varios éxitos han salido de la fábrica de Lionsgate.
American Psycho (Harron, 2000), Fahrenheit 9/11 (Moore, 2005), Saw (Wan, 2003), Crank (Neveldine, 2006), Dogma (Smith, 1999) y la más reciente Precious (Daniels, 2009). Si hay algún patrón en los anteriores ejemplos (y muchos más que se encuentran en el historial de la compañía) es el de que todas son ideas que fueron rechazadas por otros estudios más grandes, precisamente por ese ‘¿para qué arriesgarnos?’ tan palpable en la cartelera cinematográfica actual.

Es por eso que los fans del cómic original escrito por Mark Millar y dibujado por John Romita Jr. decidieron darle una oportunidad a la nueva adaptación del recientemente terminado Kick-Ass. La historia de Dave Lizewski, un adolescente que se da cuenta que no se necesitan superpoderes para ser un superhéroe y que nota cómo el mundo no es consciente de la importancia de ponerse una capa y salir de la rutina (¿algún paralelismo con el caso anterior?).

Aunque el director, Matthew Vaughn, posee una carrera sólida, yo sí llegué a dudar de su capacidad para adaptar un cómic correctamente (y más uno tan difícil como Kick-Ass). Hasta se me ocurrió que la decisión adecuada era la de llevar la película a un terreno más geek, con un nombre como Edgar Wright en los créditos.

Lo importante es que la película es más que la suma de sus partes. Un director inexperimentado en el salto cómic-cine (aunque sea el responsable de una de las dos buenas adaptaciones de Neil Gaiman) logró hacer una de las mejores películas de superhéroes. Un cast desconocido hizo que simpatizáramos con personajes igualmente desconocidos y lo más raro de todo esto: Nicolas Cage dio una actuación que NO es mediocre (¿QUÉ?).

Kick-Ass será (y está siendo) muy criticada por los mismos círculos que, en primer lugar, no se hubieran atrevido a hacerla. No es una película convencional y eso molestará a los ancianos más conservadores. A muchos les resulta incómodo que el mundo cambie a su alrededor, pero, a los que no, sólo les recomiendo sentarse y disfrutar de la mezcla de rebeldía, anarquía, actos políticamente incorrectos y diversión que ofrece Kick-Ass.

miércoles, 12 de mayo de 2010

MGMT - Congratulations (2010)


Mientras muchas bandas van del genero que los vio nacer, a algo mas pop que todos pueden escuchar, MGMT hace lo contrario y saco Congratulations, un disco que nada mas da vueltas en si mismo y se escucha mas "psicodelico" y calmado que el disco pegajoso que lo antecedio.

Todo el disco esta calmado y sereno, con un reverb en la voz que hasta eso que termina agradandote, y unos efectos de teclado medio retro.

Algunas canciones no pasan de lo mismo, aun que cada una tenga sus tonadas propias, el ambiente del disco no te ayuda a diferenciarlas mucho, pero a pesar de eso si se disfrutan sus climax y sonidos.

Aun que este algo lejos de ser trascendental en el mundo de la musica, Congratulations es algo nuevo para estos tiempos y me gusto mas que Oracular Spectacular. Es un respiro de aire fresco ya que tiene esa melancolia de los viejos tiempos donde la gente se empezaba a poner pachecona, pero tiene madurez para no exagerar e irse por un camino muy "loco" y terminar siendo algo pretencioso.

Y doy gracias a que no sobreusaron el tiempo de 2/4 de nuevo, como en su anterior disco.