The Legend of Zelda: Spirit Tracks

Llega la catorceava entrega de la serie de videojuegos de Legend of Zelda por segunda vez en la doble pantalla: El Nintendo DS. Debo decir que al principio en el primer Zelda para DS, estaba un poco escéptico en cuanto a como se iba a controlar al personaje; todo se realiza con el 'stylus', pero ya que lo usas te das cuenta de que todo es muy ameno, es fácil controlarlo y los errores que podrían haber están minimizados, cabe mencionar que el modo de juego es el mismo en los 2 Zeldas.

Nos encontramos con un nuevo Link, esta vez es un Ingeniero de trenes. Cuando se va a graduar como Ingeniero en el castillo donde se encuentra Zelda, pasa que un pequeño demonio que estaba disfrazado como ministro, Makivelo, le roba el cuerpo a nuestra princesa con ayuda de un cómplice cuya identidad es desconocida. Todo esto para tener un cuerpo receptor para revivir al rey demonio que se encuentra encerrado y atado por cadenas, cadenas que son representadas en forma de vías de tren a través de el nuevo Hyrule. Link junto con Zelda en una forma astral deberán viajar por las 'Spirit Tracks' en un tren que les concede Anjean, un personaje importante en la historia que los ayudara en su aventura, y evitar que el rey demonio sea resucitado a la vez que recuperan el cuerpo de Zelda.

La historia en sí es muy buena y viene acompañada de varios giros muy interesantes. La idea de que las vías del tren sean las cadenas que atan al demonio es muy original y me gustó mucho eso. Mientras juegas te encuentras con varios 'items' que podrás usar de una manera muy creativa con el stylus y el instrumento, llamado la flauta terrenal a la cuál simularás tocarla de verdad te mantendrán muy entretenido. También usarás a Zelda en algunas partes del juego cuando ella tome posesión de ciertas armaduras y habrá varios tipos de estas con habilidades diferentes que hará que la manera de usarla te entretenga bastante.

Entre tantas cosas buenas también cuenta con un aspecto que podría no ser de agrado para muchas personas y es la manera de viajar en el tren. Igual que en el juego pasado, Phantom Hourglass, lo que harás será trazar una ruta y seguirla; la única diferencia es que en este Zelda hay menos libertad de moverse ya que te mueves por vías y no por los mares. Cuenta con algunos 'warps', pero están muy limitados y no son muchos. Al viajar a algún lugar que no se encuentre cerca se puede volver muy tedioso y sí se olvida algo el tiempo que tardarás será más del doble.

Lo que tenga malo se ve opacado por lo bueno, definitivamente es un juego que se debe jugar si te gusta la serie de The Legend of Zelda y lo recomiendo mucho.

Toy Story 3

Si en Up (Docter, 2009) se tocó el tema de la separación y las promesas inconclusas, en Wall-E (Stanton, 2008) el mensaje anti consumismo/pro-ecologista, Toy Story 3 habla sobre las cosas que dejamos atrás. Disfrazada de un drama carcelario al más puro estilo de The Shawshank Redemption (Darabont, 1994) puede tomarse como un homenaje a la nostalgia y el aferrarse a algo a tal punto de lastimar a los demás por anteponer los intereses propios. Y esto es un sentimiento universal; los papás que no aceptan que algún día van a quedarse solos, el adolescente que está pasando a otra etapa de su vida y el niño que tercamente se aferra a algo, oponiéndose al cambio. Este sentimiento, como otros, es tocado con una sutileza digna de admirarse (y más en una película de niños), no se siente que te tiren un mensaje a la cara (un saludo a Dreamworks), pero sabes que hay algo ahí. Hasta creí encontrar una alegoría de la necesidad del ser humano de entender su mortalidad para poder disfrutar de lo que tiene, todo esto con una metáfora del cielo y el infierno, pero no quiero seguir porque sería revelar giros importantes en la trama.

Hay algo que deberíamos de tomar en cuenta. En esta tercera entrega, Pixar tenía una mano ganadora aún antes de siquiera empezar el juego. Los protagonistas son personajes que la mayoría conocemos y a los que les tenemos cariño, tiene ese golpe nostálgico que pocas películas pueden presumir. Pixar nos tenía a todos donde quería. Por esto, es una película ¿cómo decirlo?, en inglés se usa el término audience pleaser, algo así como una película hecha totalmente para las audiencias. Se permitieron usar más gags de los que acostumbran (ahorita no recuerdo un gag de verdad en Up o en Wall-E) y jugaron con los personajes al punto de movernos como pocas películas. Mi punto es que es una película para verse en el cine, de preferencia en 3D y con una audiencia en realidad interesada. Es una gran experiencia que no tendrá el mismo efecto en una pantalla casera. Hay un momento de la película, sin spoilear nada, en el que hasta se siente que todo el público estuviera de las manos rogando por el destino de los juguetes.

La animación, como siempre, es excelente. Lo único que se nota es que ya no sorprende. Pero no es por falta de ganas o de flojera en el lado técnico, lo que pasa es que, al ser una secuela, no se presenta un universo nuevo. En Finding Nemo (Stanton, 2003), las partículas de polvo en el mar y el manejo de la luz fueron bastante aplaudidos en su tiempo. Monsters Inc. (Docter, 2001) presumía que los monos tenían no sé cuántos millones de pelos que fueron animados de uno por uno y Wall-E presentó un realismo increíble, además de meter a Pixar a un ambiente de ciencia ficción. Toy Story 3 no puede decir especialmente que tiene algo que la distinga, pero para nada es mediocre. Se nota que a los demás estudios de animación les faltan años para llegar al nivel de una película de Pixar.

Toy Story 3 es, sin derecho a réplica, la película del verano y posiblemente del año. También es la mejor película de Pixar y una de las mejores cintas animadas que existen. Será vista por generaciones y todo esto porque el mensaje es tan universal y duradero como los mismos sentimientos que maneja. La gente no cambia, es por esto que un niño sigue viendo la primera con la misma emoción que los que la vimos en una pantalla de cine hace años. Con su conclusión lógica (¿de qué otra manera pudo haber terminado?), Toy Story 3 cierra como un círculo perfecto la trilogía iniciada en 1995. No hay nada que cambiaría o que me haya molestado, es una película perfecta que supera a las dos anteriores en todos los aspectos y que se atreve a meterse a terrenos poco explorados por otras películas animadas.

Como nota final, hay que agradecer a Pixar por el detallazo de poner un reel que se extiende varios minutos en los créditos de la película. Hombres de todo el mundo, con lágrimas en los ojos, tuvimos el tiempo suficiente para limpiarnos y hacer como que nada pasó. Porque, quieras o no, vas a llorar. Y una vez que te tienen donde quieren (y esto pasa cuando todavía falta como media hora para que termine), no te van a soltar por un buen rato.

Ayreon

Indudablemente mi genero preferido de música es la opera rock. A través de los años me he encontrado con diferentes proyectos del genero, con diferentes conceptos cada uno de ellos. Estos conceptos van desde el medieval (Avantasia, Anya), los video juegos (Protomen), el terror (Manhattan), lo urbano y juvenil (American Idiot de Green Day), la comedia (Ziltoid: The Omniscent), etc. Sin embargo no me había topado con algo tan peculiar y cautivador como lo es Ayreon.

Ayreon es un proyecto formado por Arjen A. Lucassen. Básicamente son una serie de discos, con músicos y cantantes diferentes en cada disco, con historias separadas, pero que al final de cuentas se conectan de una manera u otra entre si. Lo que vi interesante de todo el asunto fue que la historias de los discos giran alrededor de un ambiente puramente de ciencia ficción. Lucassen creo un concepto donde los viajes interestelares, los extraterrestres, viajes en el tiempo y visiones futuras de la humanidad prevalecen. Aunque la calidad de las historias de cada uno de los discos varía y no siempre es muy buena, el concepto que gira alrededor de ellas es verdaderamente cautivante y atrapante.

En cuanto al ámbito musical, los discos están catalogados como metal progresivo y me atrevo a diferir en la opinión de quienes escriben en Wikipedia, o quienes asignan los géneros en Itunes. Arjen si es un compositor de metal, y la mayoría de los invitados vocalistas son personalidades del metal, pero los sonidos dentro de los discos son altamente variados y pertenecientes a muchos géneros. Arjen compone con una gran cantidad de instrumentos folclóricos (violin, cello, flautas y mandilones) y agrega una gran cantidad de sintetizadores. Esos dos elementos se combinan con los típicos instrumentos del rock y dan una nota bastante interesante y a-genérica.

"Into The Electric Casttle" es, a mi opinión, uno de los discos con más calidad del proyecto. Los sonidos en el, como lo describí arriba, varían mucho. Se encuentran riff's fuertes y graves ("Cosmic Fusion"), pero también hay secciones de piano bastante armónicas ("Amazing Flight"). En cuanto a los vocalistas invitados, grupo en el que se encuentran tales como: Sharon den Adel y Robert Westerholt de Within Temptaion, Damian Wilson de Treshold y Jay van Feggelen de Bodine. Hacen un excelente trabajo y de verdad quedan en sus personajes a la perfección. La misma estructura del disco hace que las voces y diálogos tomen la importancia que tengan que tomar para que la historia se entienda.
La historia cuenta como un ser alienigena abduce a siete héroes de diferentes eras de la humanidad (un romano, un highlander, un caballero medieval, un hippie, una egipcia, un barbaro y una indigena) y lo guia a través de un viaje interestelar para llegar a Electric Casttle del titulo. Ya una vez dentro tendrán una serie de decisiones que tomar si quieren regresar a su tiempo.

Lo sobresaltante de toda la historia es el punto de vista de los personajes. En ellos se refleja como se veia el universo en cada una de sus culturas. De esta manera, mientras que el guerrero de la edad media cree que ha llegado a Avalon, el bárbaro cree que el viaje es una prueba para llegar a Valhalla y el hippie simplemente cree que está teniendo el mejor viaje ácido de su vida. Los puntos de vista se cruzan mientras que los personajes interactúan entre si.
Si disfrutas de un buen disco conceptual, una buena variedad musical, y repartos de vocalistas y músicos estelares (¿se entiende?¿estelares?) Ayreon es definitivamente para ti.

Empieza la E3

Hoy empieza la E3 (Electronic Entertainment Expo) en Los Angeles Convention Center, en Los Angeles, por supuesto. Fueron tres pequeñas conferencias de parte de tres compañías como introducción a la 'Expo', empezando con Microsoft, seguido por EA y finalmente UbiSoft, todas estas siendo solo un poco de lo que verás durante toda la E3.

Debo decir que Microsoft de verdad llamó mucho mi interés con sus presentaciones de la nueva versión de la consola de XBOX 360 versión 'slim', y su nuevo software de Kinekt (el nombre oficial para lo que era 'Project Natal'). Básicamente la nueva versión slim es un XBOX 360 completo y bien hecho (esperemos), es más pequeño, con capacidad de 250GB de disco duro, wi-fi integrado y un abanico que no hace ruido. En cuanto a Kinekt, se mostró muy funcional y entretenido.

EA es un caso especial para mi, la mitad de los juegos de esta compañía me encantan, y la otra mitad no tengo interés ni en voltear a verlos, siendo estos la rama de EA Sports. Pero del otro lado tiene unos juegos excelentes como DeadSpace 2, que fue anunciado la conferencia, al igual que un nuevo Call of Duty en el que colaboró DICE (los creadores de Battlefield: Bad Company, que también tiene su reseña en este blog acá).

Lo que puse no es todo lo que se expuso y los invito a que sigan lo que queda de la E3 si les interesa, pueden encontrar un link para verlo en vivo por streaming en IGN.

I Love you Phillip Morris

El 18 de enero del año pasado, I Love you Phillip Morris abrió el festival de Sundance recibiendo reacciones mixtas. La cantidad de críticas favorables eran proporcionales a las contrarias. Lo mismo cuando se estrenó unos meses después en el festival de Cannes y en el European Film Market. Los defensores la llamaron una de las mejores comedias de los últimos años; del otro lado, se le calificó 'moralmente incorrecta' y 'una oportunidad perdida'.

I Love you Phillip Morris es una comedia romántica gay. No es una sátira ni una crítica, es un auténtico romance gay. Lo que más llama la atención es que tiene a Jim Carrey en el protagónico y a Ewan McGregor de secundario. Y todavía es más raro que la película ya tiene más de un año y sigue sin ser conocida comercialmente, nada más se mueve en el mismo círculo de festival en festival.

Basada en el libro ‘I Love You Phillip Morris: A True Story of Life, Love, and Prison Breaks’, crónica de la historia real de Steven Russell, un hombre que a raíz de un detonador en la forma de un accidente automovilístico tiene una epifanía que lo lleva a dejar de vivir la mentira que se construyó con una esposa e hijos, para dejar salir al homosexual que tiene años escondido. Al mismo tiempo que entiende a las malas que ser gay no es nada barato, se encuentra con Philip Morris, un hombre que tiene todo lo que él busca, llevándolo esto a estafar, mentir y robar para poder estar con él.

Este tipo de películas son las que hacen que las productoras tarden en aceptar cualquier proyecto; es de esas a las que les llueven demandas legales y que el público ignora para irse por la opción más normal. Por ahora, la película está enlatada a espera de un nuevo aviso. El estreno estaba previsto para el 30 de abril, pero se fue alargando meses hasta que el estudio dejó una nota final con la inscripción 'estreno indefinido'. Es probable que ni siquiera llegue a los cines y tampoco está el lanzamiento de un dvd en los planes a futuro.

Es una película que andará de festival en festival y que probablemente, siguiendo el ejemplo de antecesoras ignoradas en su momento, como The kiss of the Spider Woman (1985, Hector Babenco), tome el estátus de película de culto, resultado no solamente de su calidad cinematográfica, también de los temas controversiales que toca sin pudor ni delicadeza.

Algo que me gustaría remarcar, es que creo que es curioso que en una película totalmente desconocida se encuentra la mejor actuación en la carrera de Jim Carrey. Pareciera que buscó entre todos sus personajes para sacar lo mejor de cada etapa de su vida y crear algo nuevo. El personaje que vemos en la pantalla tiene mucho de Jim Carrey, pero es como si no lo conociéramos.

Haciendo a un lado todo el contexto social, es una película muy bonita. Una de esas comedias románticas que sí funcionan, con la proporcion perfecta de risas y lágrimas, sin que una opaque a la otra. Desde que inicia te hace sonreír y trata de mantenerte en un estado emocional agridulce en la hora y media de duración. No es una gran película, pero merece ser vista por lo menos una vez.

Ponyo on the cliff by the sea

Es increíble la creatividad y la capacidad que tiene Hayao Miyazaki de fabricar un mundo totalmente nuevo, en el que experimentas cosas que no te entrega casi ninguna película, no como las de este director. Para los que no lo conocen, es el director de la ganadora del Óscar El viaje de Chihiro (2001) a mejor película de animación y una de mis favoritas: El increíble castillo vagabundo (2004).

Es la décima entrega de este director y la novena que tiene como productora el estudio Studio Ghibli desde que empezaron con Nausicaa del Valle del Viento en 1984. Personalmente me encantan las películas de este director y Ponyo on the cliff by the sea (2008) o 'El secreto de la sirenita' como se llamó en América latina, para nada se queda atrás. Debo decir que cuenta con una animación excelente como es costumbre, hablando de Studio Ghibli.

Ponyo, una pequeña sirenita (al parecer, ya que en la película la mencionan como un pez), es encontrada y rescatada por Sosuke, un niño de cinco años, que después le da el nombre de 'Ponyo'. La sirenita se encariña con Sosuke, pero su padre, un malvado hechicero que vive en el fondo del océano, la obliga a regresar a los mares. Ponyo decide convertirse en humana y regresar a la superficie, pero reunirse con Sosuke no va a ser fácil, y al transformarse en humana desatara un poder en los mares que es peligroso para el mundo entero.

Uno siente que se despierta al niño que se encuentra dentro de sí cuando ve esta película, lo mismo que pasa en Mi vecino Totoro (1988) (del personaje Totoro de esta película sacó su logo el 'Studio Ghibli'), del mismo director y estudio. También recomendada.

Aunque la película está dirigida para el público infantil, cualquier persona la puede ver. La trama es muy buena, la animación y los dibujos es excelente y todo en general es muy bueno. Vale la pena la renta (hablando legalmente) o que conseguir la manera de verla (sin promover la piratería).

Prince of Persia: The sands of time

Primero que nada, pongo una imagen del juego simplemente porque soy un fan de "Prince of Persia" (los juegos) y también por un punto que desarrollaré más adelante. El Príncipe de Persia: Las arenas del tiempo, llamado así por la saga de juegos creada por Jordan Mechner, que cuenta con el mismo nombre, y más específico, por el primer juego (que también tiene el mismo título) de la saga, ya que es el que más tiene con similitudes a la película, aunque no está basada en este.

Dirigida por Mike Newell, director de El amor en tiempos de cólera (2007) y Harry Potter y el cáliz del fuego (2005), El Príncipe de Persia es una de las pocas películas que tienen la decencia de darle la fidelidad que se merecen a sus obras originales (hablando de videojuegos). Creo que sí se parece lo suficiente al juego como para satisfacer a los fans de este. Ahora, pongo la imagen que puse porque quisiera enfatizar los detalles que tienen la película en los que se parece al juego. Primero que nada, el personaje que caracteriza al Príncipe Dastan, Jake Gyllenhaal se parece mucho al príncipe de los juegos. También las formas y los diferentes tipos de armas son las mismas mostrados en la saga.

La trama trata de que el rey adopta a un niño de la calle, Dastan, nuestro personaje principal, después de ver su acto de valentía al ayudar a unos niños de la calle a escapar el abuso de unos guardias de la ciudad, convirtiéndolo así en el príncipe de Persia. En la batalla con la ciudad sagrada de Alamut, a la que atacan debido a la información de un espía, Dastan se hace de una daga extraña que puede retreoceder el tiempo durante un minuto. Cuando el rey muere por un envenenamiento, Dastán es culpado por el asesinato de este (el rey, para no confundir) y debe hacer todo lo posible para limpiar su nombre y además ayudar a Tamina, interpretada por Gemma Arterton, a detener a una malvada mente maestra de obtener un poder inimaginable que no debe caer en manos malignas y salvar el mundo.

Viendo todo el panorama, la película tiene una producción muy buena, ya que cuenta con unos efectos que te impresionan bastante, la trama te mantiene entretenido, aunque no me emocioné como pensé que me podría llegar a emocionar, sus principales son lo suficientemente buenos para interpretar sus papeles; pero como geek/fan de los videojuegos siento que le faltó ó que pudo haber estado mejor con algunos detalles que le hubieran agregado, siendo uno de estos el Dahaka (los que han jugado a la saga sabrán de que estoy hablando).

Veredicto: le doy 3 de 5 estrellas y la recomiendo para la audiencia en general, es una buena película.